Bienvenue dans mon univers

BURN TO BE ALIVE

Il existe de nombreux récits sur le burn-out. On en décrit les causes, on en évoque l’après. Mais du pendant, il reste peu de traces, peu de mots, peu d’images. Cette exposition est née de ce manque. D’un besoin vital de comprendre ce qui m’arrivait et de mettre en forme ce que je ne parvenais pas encore à dire. Pour cela, j’ai cherché, écouté, recueilli des récits, des voix, des expériences de personnes ayant traversé cet état. Dans leurs mots, j’ai reconnu des fragments des miens, des sensations communes, des silences partagés. Le burn-out n’est pas un instant. C’est un passage. Un lent glissement, puis une chute, et enfin un tunnel dans lequel le temps se dilate, où les repères disparaissent, où l’on apprend, malgré soi, à attendre. Moi qui étais impatiente, j’ai appris la patience. Moi qui voulais comprendre vite, j’ai appris à rester dans le flou. Moi qui résistais, j’ai appris à accueillir. À travers ces œuvres, je ne raconte pas une histoire linéaire. Je donne à voir des états, des fragments émotionnels, des paysages intérieurs traversés : fatigue, résistance, perte, colère, vide. Mais aussi ralentissement, prise de conscience, et premières lueurs. Car au cœur même de l’épuisement, quelque chose persiste. Une présence infime. Une lumière presque imperceptible. Une vie qui, malgré tout, continue de chercher un chemin.
Burn to be alive n’est pas seulement un effondrement.
C’est une traversée, une mue, une renaissance.

Empreintes du réel

Cette série est née d’un besoin d’abandon, d’un élan vers la liberté du geste. J’ai commencé par peindre sans but, sans intention de construire une image, simplement pour ressentir la matière sous mes doigts, écouter le rythme de la couleur et la respiration du mouvement. J’ai utilisé différents médiums comme l’acrylique, la gouache, des encres acryliques et diverses spatules pour ajouter de la texture aux fonds, devenus les prolongements d’une émotion à l’état brut. Dans ces traces, j’ai laissé parler ce qui m’échappait : le corps, la mémoire, mon identité, les pulsations du moment.

Puis, en observant ces fragments de couleurs, j’ai perçu comme des scènes, des échos du quotidien, des réminiscences d’histoires vécues ou rêvées. J’y ai invité des silhouettes en noir et blanc, venues d’un autre temps, pour leur offrir une place dans ces paysages intérieurs. Le contraste entre leurs contours figés et la vitalité des fonds colorés fait naître un dialogue : celui du réel et de l’imaginaire, du souvenir et de la trace encore vibrante.

Chaque collage devient un territoire sensible où s’inscrit la mémoire du geste. Il témoigne de la rencontre entre l’instinct et la conscience, entre ce qui nous traverse et ce que nous retenons.  » Empreintes du réel «  est le nom de cette série de dix-neuf mini-œuvres ; elle parle de cette alchimie fragile, celle qui transforme un simple mouvement en émotion, une trace en récit, un fragment en présence. Le spectateur est invité à se plonger dans cette série et à y inventer l’histoire qui fera écho en lui.

Géographie sensible

Une mini-série de douze œuvres originales, en petit format, où la couleur devient émotion et la matière, langage. Chaque tableau explore l’espace entre paysage réel et territoire intérieur à travers des techniques mixtes, des textures riches et des couleurs franches et vibrantes qui captent le regard et éveillent la sensibilité. Certaines compositions laissent apparaître des silhouettes de maisons ou des traces de nature recomposée, créant un dialogue subtil entre abstraction et mémoire du réel.
Pour les amateurs de peinture contemporaine, cette série limitée propose des œuvres uniques, chacune portée par une gestuelle picturale expressive et une atmosphère singulière. Ces paysages abstraits et lumineux invitent à la contemplation et trouvent leur place dans une collection privée ou un intérieur cherchant une présence artistique forte malgré le format intime.

Géographie sensible

Géographie sensible est une série d’œuvres réalisées à l’aquarelle sur carton, née d’une exploration intuitive de la couleur et du geste. Chaque création débute sans intention précise. L’eau, les pigments et leurs rencontres guident le processus, laissant émerger des formes, des reliefs et des horizons inattendus.
Dans un second temps, de petites maisons viennent habiter ces paysages spontanés. Elles apparaissent comme des repères, des refuges ou des présences discrètes au cœur de ces territoires imaginaires. Quelques touches de crayons de couleur prolongent ensuite le dialogue entre hasard et intervention, entre liberté et composition.
À travers cette démarche artistique, le paysage devient un espace de jeu, de contemplation et de lâcher-prise. Les œuvres invitent à ralentir, à accueillir l’imprévu et à laisser l’imagination parcourir ces géographies intérieures où chacun peut projeter ses propres souvenirs et émotions.
Réalisée sur des supports en carton, la série valorise également la simplicité des matériaux et la richesse des expérimentations plastiques. Chaque œuvre est une invitation au voyage, entre abstraction, poésie et paysage imaginaire.

rêverie de campagne

Rêveries de campagne est une série de paysages inspirés des campagnes anglaises et irlandaises, où les cottages colorés se nichent au cœur d’une nature généreuse et lumineuse. Entre réalité et imaginaire, ces scènes invitent à une parenthèse de douceur et d’évasion.

Réalisées à l’aquarelle Sennelier, aux Neocolor II et aux crayons de couleur Luminance de Caran d’Ache, ces œuvres mêlent transparence, texture et profondeur chromatique. Les couleurs vibrantes et les détails délicats composent des paysages empreints de poésie, évoquant le calme, le refuge et la beauté des lieux simples.

À travers cette série, je cherche à créer des espaces de contemplation où chacun peut projeter ses souvenirs, ses rêves ou son désir d’ailleurs.

Jardin silencieux

Jardins silencieux est une série consacrée aux fleurs et aux compositions florales, où chaque bouquet devient une invitation à ralentir et à observer la beauté discrète du vivant.

À travers les formes, les couleurs et les jeux de lumière, ces œuvres célèbrent la délicatesse des végétaux et la poésie des instants simples. Les fleurs, éphémères par nature, deviennent ici des présences durables, porteuses de douceur, de mémoire et d’émotion.

Réalisée à l’acryla-gouache Holbein, cette série explore la richesse des couleurs mates et la finesse des nuances. Ce médium permet de créer des compositions lumineuses et vibrantes tout en préservant la délicatesse des formes florales.

Chaque œuvre propose un espace de contemplation, une parenthèse de calme où la nature se révèle dans toute sa simplicité et sa beauté.

ESCALE FÉMININE

Ces reproductions issues de la série Fragments de femmes se déclinent dans un format et un design de cadre différents, offrant une nouvelle manière d’accueillir ces portraits dans votre intérieur. Elles sont imprimées en édition limitée.

Fragments de femmes

Ces visages sont des territoires à explorer.
Je peins des femmes et des hommes venus d’horizons multiples : mongols, tibétains, asiatiques, noirs guidée par un même désir : celui de célébrer la beauté du monde dans toute sa diversité.

Chaque portrait est une rencontre intime, une invitation à regarder autrement. J’aime m’imprégner de la puissance des regards, de la noblesse des traits, de la poésie des vêtements et des parures qui racontent l’appartenance, la culture, la mémoire. À travers la couleur et la lumière, je cherche à rendre visible cette force intérieure qui émane des peuples enracinés, connectés à la nature, à leurs traditions et à leur spiritualité.

Mon geste oscille entre réalisme et intuition. Les textures, les contrastes et les teintes vives traduisent une énergie vitale, une présence presque sacrée. Chaque visage devient un symbole de résilience, de sagesse, de lien entre le visible et l’invisible.

Ces portraits ne sont pas seulement des représentations : ils sont des ponts. Des ponts entre les cultures, entre l’âme et la matière, entre l’autre et soi.
Peindre ces visages, c’est rendre hommage à la beauté plurielle du monde, à la dignité des peuples et à ce que l’humanité a de plus vibrant : sa capacité à être profondément vivante, dans toutes ses nuances.

Ludivine Is An Artist ou LIAA.
Artiste plasticienne depuis 2016, je vis et travaille dans la Vienne. Mon univers artistique s’articule autour de la peinture, du collage et de la photographie, que j’explore sur différents supports pour donner vie à des œuvres sensibles et poétiques. »